L’artiste, le numérique et la musique

1. Emily Gonneau, une autrice engagée au croisement de la musique et du digital

Pour durer dans la musique aujourd’hui, il ne suffit pas d’être talentueux, il faut aussi comprendre les codes du numérique et savoir les utiliser avec sens et stratégie

Cette phrase résume parfaitement la pensée d’Emily Gonneau, autrice du livre L’artiste, le numérique et la musique parue en 2023. Diplômée de Sciences Po Paris, elle a travaillé plusieurs années dans une major à Londres puis à Paris. En 2009, elle fonde ÜNI, maison mère de trois entités : le label Unicum music, l’agence de formation Nüagency, ainsi que la structure de conférence et de podcasts Causa.

Très impliquée dans la transmission, elle enseigne dix ans à la Sorbonne. Elle cofonde aussi La Nouvelle One, une association qui valorise les jeunes professionnels de la musique. Chaque année, elle organise les #PrixLNO au MaMA Music & Convention.

(Petite parenthèse qui mérite également d’être soulevée)

Emily Gonneau est également très engagée sur les sujets des discriminations et des violences dans le secteur musical. Dans l’épisode #28 Entreprendre et géurir de ses blessures du podcast Tipping Point​, elle revient sur son parcours et son combat #MusicToo. Je vous le recommande vivement cet échange, disponible sur vos plateformes préférées.

En bref, Emily Gonneau fait partie des figures montantes de la musique. Repérée par Shesaid.so, citée par Tsugi parmi les 100 personnalités qui font bouger la scène musicale, et nommée parmi les trois Innovatrices France du programme Keychange. 

2. Un ouvrage structuré comme une véritable feuille de route

Son livre, L’artiste, le numérique et la musique, se présente comme un guide clair et accessible. Il aide les artistes à construire une présence en ligne cohérente, authentique et durable. De plus, il dépasse les approches purement techniques. L’autrice insiste sur l’importance de replacer la singularité de l’artiste au coeur de chaque démarche. 

Le livre est structuré en cinq grandes étapes :

1. Comprendre le contexte : elle retrace l’évolution du paysage musical, de MySpace aux plateformes actuelles, et montre comment Internet a bouleversé les stratégies et les modèles économiques.
2. Définir ses objectifs : elle aide les artistes à clarifier leur identité, leur storytelling et leur audience.
3. Construire sa stratégie : elle détaille les étapes clés pour bâtir une présence en ligne solide et cohérente.
4. Promouvoir et monétiser : qu’il s’agisse des droits, du financement ârticipatif ou de la création d’un lien direct avec les fans.
5. Faire du digital un levier de sens : loin d’être un ennemi de la créativité, le numérique devient un outil d’émancipation.

3. Pourquoi cet ouvrage m’a marquée 

Emily Gonneau ne cherche pas à opposer art et marketing. Au contraire, elle montre comment ces deux dimensions peuvent se compléter. Grâce à cette approche, elle propose une vision utile pour construire une carrière solide à l’ère du digital.

J’ai choisi ce livre car il reflète les problématiques rencontrées par de nombreux artistes émergents. Aujourd’hui, le talent ne suffit plus. Il faut aussi communiquer, comprendre sa cible, définir une ligne éditoriale et faire des choix stratégiques. Le tout, sans perdre son identité.

Souhaitant travailler dans la musique, je trouve essentiel de relier créativité et stratégie. Ce guide représente donc une ressource précieuse pour celles et ceux qui veulent développer un projet musical dans un monde connecté. Ce qui m’a le plus plu, c’est la manière dont l’autrice remet l’artiste au centre.

Dans un univers dominé par la recherche de visibilité, elle rappelle que cohérence, sincérité et vision restent des forces essentielles. En tant qu’étudiante en communication passionnée de musique, j’y ai retrouvé les bases d’une stratégie de marque : identité, storytelling, engagement et cohérence.

J’ai également apprécié la dimension optimiste du livre. Emily Gonneau ne condamne pas le numérique. Au contraire, elle le présente comme un outil d’émancipation et d’indépendance, tout en restant lucide sur ses limites et sur l’influence des grandes plateformes.

4. Une étude faite à l’aide de témoignages de professionnels  

Ce qui rend l’ouvrage particulièrement riche, ce sont les nombreux témoignages de professionnels de la musique, ce qui permet d’établir des stratégies les plus pertinentes possibles. Voici plusieurs exemples : 

Karim Ech Choayby, actuellement directeur du département A&R de Columbia chez Sony Music Entertainment, a auparavant été directeur artistique chez Virgin et Capitol. Il a collaboré avec de nombreux artistes majeurs tels que David Guetta, M. Pokora, Magic System, Khaled, Damso, Slimane, Maître Gims, Kendji, et bien d’autres. Depuis 2018, il occupe le poste de Head of A&R chez Universal Music Publishing. Il a également fait partie du jury des #PrixLNO 2019.

Maud Cittone, cofondatrice de La Bise Fraîche, agence dédiée au booking et aux spectacles vivants, ainsi que Nüagency, agence de formation numérique. Elle est aujourd’hui responsable de la communication et du développement à la Maison populaire, un lieu dédié autour des pratiques artistiques et corporelles.

Guillaume Mangier, directeur de La Nef à Angoulême, une salle de spéctackes de 700 places dédiée aux Musiques Actuelles amplifiées. Ouverte depuis 1993, La Nef est un lieu de référence pour la diffusion, l’accompagnement et la pratique artistique, dotée de studios de répétion et d’enregistrement.

5. Pour approfondir la réflexion : quand la technologie redéfinit la création musicale

Pour élargir cette réflexion au-delà de la musique, deux ouvrages peuvent accompagner toutes les personnes qui souhaitent lancer un projet créatif dans notre ère digitale.
Dans The Second Machine Age, Erik Brynjolfsson et Andrew McAfee expliquent simplement comment les nouvelles technologies transforment notre façon de travailler, de créer et d’imaginer. Leur livre aide à mieux comprendre le monde dans lequel on évolue, un monde où l’intelligence artificielle et les plateformes influencent de plus en plus notre manière de développer des idées.

À leurs côtés, The Lean Startup d’Eric Ries propose une approche très concrète pour se lancer. Il montre l’importance de tester ses idées, d’apprendre vite et de s’adapter au fur et à mesure, sans avoir besoin que tout soit parfait dès le départ. C’est une méthode rassurante et motivante pour celles et ceux qui veulent transformer une intuition en projet réel.

Ce qui est à mon sens intéressant avec ces deux lectures, c’est qu’elles rappellent que les évolutions du digital ne touchent pas seulement l’industrie musicale. Elles concernent tous les domaines créatifs. Elles offrent des clés pour avancer avec plus de lucidité et de confiance dans un monde où la technologie change nos façons de rêver, de construire et de donner vie à nos projets.

6. Vous pourriez aimer aussi : 

Si ce sujet vous intéresse, je vous invite aussi à découvrir un autre article : L’Impact de la digitalisation sur le secteur musical. Cet article explore la manière dont la digitalisation transforme en profondeur le secteur musical depuis le Covid, entre nouvelles technologies et nouveaux usages. Il montre comment l’IA, les NFT et le web 3.0 redéfinissent la fan expérience et le rôle des artistes dans un paysage en pleine mutation.

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